Existem filmes tão contaminados pelo discurso ao seu redor que se torna difícil falar sobre eles sem considerar o que é dito a respeito da obra. Civil War é um claro exemplo disso – e não se trata apenas de uma infeliz coincidência. Todo o marketing do filme se esforçou para instilar esse senso de grandiloquência política e instigar os espectadores a pensar nesse estranho mundo paralelo onde Texas e Califórnia se uniram em um movimento insurgente contra o governo americano.

Funcionou? Sem dúvidas, essa foi uma jogada que, em um ano de eleição e de ânimos já exaltados, parece ter dominado a conversa a respeito do filme. Mas, ao centralizar o debate em torno deste ponto, o filme se colocou como um destinatário de um escrutínio mais minucioso por parte dos seus espectadores, que esperavam que um filme da A24 com toda essa pompa teria muito a dizer. É justamente quando ele não tem que surgem os problemas.

Mesmo afastados desta carga histórica em terras brasileiras, não ficamos imunes a questões do gênero. Por mais que o filme tenha falhado em causar o mesmo rebuliço por aqui – provavelmente, o maior destaque é a presença proeminente de Wagner Moura –, eu ainda esperava por “algo”, um comentário sobre a divisão política e os arranjos sócio-históricos da sociedade norte-americana e sobre como essa divisão, conforme os pôsteres apontam, faz impérios ruírem.

O que eu encontrei foi algo decididamente diferente. Para começar, a trama se passa em um presente alternativo em que uma guerra civil divide os estadunidenses, mas não há explicações concretas sobre como isso aconteceu, ou seja, é preciso apenas aceitar que essa é a situação.

Nesse contexto, uma dupla de jornalistas – a fotografa Lee (Kirsten Dunst) e Joel (Wagner Moura) – parte em direção a Washington com o objetivo de documentar os últimos dias do conflito e, quem sabe, conseguir uma entrevista com o presidente do que restou do país (Nick Offerman). Nessa viagem pelo interior americano tomado pela guerra, eles se juntam a um jornalista veterano, Sammy (Stephen McKinley Henderson), e a uma jovem que idolatra o trabalho de Lee, Jessie, (Cailee Spaeny).

Ou seja, fundamentalmente, Civil War não é sobre a dita guerra civil; as razões do conflito são opacas, o seu desenvolvimento é pouco explorado e até mesmo o que vai acontecer depois que a guerra acabar é uma incógnita. Mas o filme explora o jornalismo de guerra e, especialmente, os jornalistas que participam destes processos. Sob esta ótica, Civil War é bastante sólido, com um grupo central de protagonistas interessante e que exemplifica bem o tipo de convicção ou ambição que você deve ter para colocar sua vida em risco. “É uma questão existencial”, diria um dos personagens.

O conceito é bem vendido pelos atores. Kirsten Dunst é uma protagonista sólida, que tem seus momentos, e cria uma boa dinâmica com a personagem de Cailee Spaeny, embora pudesse ter se beneficiado de um pouco mais de desenvolvimento. Isso vale apenas parcialmente para Wagner Moura, que convence com sua obsessão e seu jeito impulsivo, mas que poderia ter um pouco mais de gravitas em suas razões para ir a tantos extremos.

A falta de um fio condutor e esse clima de road trip lento podem afastar a parcela do público que espera por um foco maior na tal guerra. Ainda assim, a maneira como o conflito é retratado me satisfez, mostrando essa influência pervasiva no tecido social que alcança até mesmo quem propositalmente não quer tomar lados. Ao invés de ter grandes momentos de violência e combates, o filme traz as consequências da guerra e o efeito desumanizante que ela tem sobre nós.

Vale observar que isso tudo é acompanhado de um trabalho de direção e de som que são ótimos em colocar o espectador dentro do que está acontecendo. Isso é válido especialmente conforme o filme vai chegando ao seu fim (em um momento mais apoteótico, diga-se de passagem).

Mas permanece o elefante na sala: Civil War não é sobre política e, inclusive, evita falar de política a todo o custo. Talvez o propósito seja não alienar parte do público em um momento de clima carregado nos Estados Unidos, mas o diretor e roteirista Alex Garland, ao fazer isso, não apenas retira uma importante dimensão que dá peso a esse tipo de trama, mas abre margem para interpretações completamente equivocadas do material.

Para mim, a covardia em endereçar problemas muito reais e existentes no país também é um desserviço a própria profissão jornalística, que é ao mesmo tempo glamorizada e reduzida em suas motivações. Com isso, a produção parece esquecer que se trata de um ofício politicamente carregado e de quanto isso orienta o processo de cobertura.

Obviamente, eu não queria que todo esse aspecto do filme fosse mastigado, que ele tomasse um lado e/ou que desse nome aos bois – mas não é possível ter o bolo e o comer. Se Garland quisesse dar profundidade ao filme e a seus personagens, esse aspecto era inevitável; sem isso, a trama fica um pouco manca, eximindo-se de fazer qualquer comentário mais relevante que eleve o resultado de algum modo. Civil War é um filme competente e relevante, mas que vai ser mais lembrado pelo que deixou de fazer do que pelo que efetivamente fez.

Outras divagações:
Ex Machina

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

É estranho pensar que um dos diretores mais influentes da história do cinema brasileiro, na verdade, seja argentino – ao mesmo tempo, isso faz todo sentido. Hector Babenco olha para o Brasil com a compreensão de um vizinho latino-americano e o amor de quem não é daqui, mas escolheu esta terra para viver. Ainda assim, ele não se entrega a ufanismos.

Justamente por conta disso, Pixote: A Lei do Mais Fraco é um filme difícil de assistir. Lançado em 1980, ele conta a história de crianças de rua daquela época e, por mais que as coisas tenham mudado muito de lá para cá, a produção ainda machuca, ainda está próxima demais da realidade. Para completar, também dói o conhecimento de que a vida do ator principal seguiu mais ou menos como a gente imagina que a de seu personagem seguiria.

Pixote (Fernando Ramos da Silva) é um menino de 10 anos que vai parar em um reformatório em São Paulo. A vida dentro da instituição é cruel, mas ele a encara com a coragem daqueles que não conhecem um mundo diferente. Inclusive, em mais de um momento, adultos “de fora” comentam que a vida “lá dentro” é melhor.

Inicialmente solitário, o menino não demora a fazer amigos como Fumaça (Zenildo Oliveira Santos), um rapaz que sabe como conseguir maconha e cuja mãe aparece para visitas toda semana, uma raridade. Outros companheiros incluem: Lilica (Jorge Julião), que é constantemente ameaçado por ser gay; Dito (Gilberto Moura), que sonha em ir para o Rio de Janeiro; e Chico (Edilson Lino), que quer ser bandido quando crescer.

Após uma revolta dos internos, Pixote participa de uma fuga em massa e, junto de seus amigos, tenta levar a vida nas ruas. Eles ficam devendo para gente perigosa (Tony Tornado), tentam vender drogas – e são trapaceados por uma mulher de negócios muito séria (Elke Maravilha) –, roubam bolsas e carteiras e cometem todo o tipo de pequenos delitos até encontrarem refúgio aplicando golpes em conjunto com a prostituta Marília Pêra (Marília Pêra). O caminho, entretanto, é repleto de despedidas forçadas.

Pixote: A Lei do Mais Fraco parece ser formado por uma sucessão de episódios inacreditáveis, mas terrivelmente possíveis. A estrutura faz sentido com a história sendo contada e com as demais escolhas diretoriais. As crianças do elenco fazem parte desse mundo, brincam aquelas brincadeiras e vivem aquela vida. Há um desespero sincero que seus olhares parecem não entender, mas que os atores adultos e experientes querem ajudar a contar.

Inclusive, ao mesmo tempo em que seu protagonista não entende bem a realidade cruel que o cerca – uma dinâmica onde sexo e drogas são as principais moedas –, ele sabe que precisa endurecer rapidamente para poder se virar. Nunca fica claro como Pixote foi parar no reformatório, mas ele nunca questiona seu destino e não se vê como uma vítima da sociedade. Ele só olha para frente e segue firme, tendo o senso de companheirismo como seu principal valor.

Assim, Pixote: A Lei do Mais Fraco provavelmente é um dos filmes mais tristes e desoladores que já assisti. Não se trata exatamente de uma história de amadurecimento, já que pouco foi realmente aprendido. É uma perda da inocência acompanhada pelo acordar de um instinto de sobrevivência. Pixote não cresce, ele apenas endurece e segue em frente, rumo ao destino de seus irmãos.

Existem filmes que parecem atemporais (obviamente, isso não existe, mas alguns chegam perto). Em alguns casos – como em The Holdovers – o efeito acontece porque você já viu algo assim antes, ainda que não exatamente igual. A ideia e a mensagem se repetem e até mesmo a época em que a história se passa ecoa algo conhecido e querido. Por mais que o contexto dos personagens não seja algo com o que você consiga se identificar de uma forma mais imediata, há uma facilidade em criar empatia pelas circunstâncias e você se transporta para aquele lugar.

A história de The Holdovers, inclusive, não tem nada de atemporal ou universal; pelo contrário, ela é bem específica a um lugar e a um período. No inverno de 1970, os alunos de um colégio interno de New England são liberados para passar algumas semanas com suas famílias. Entretanto, como alguns estudantes não podem ir para casa por uma série de motivos, um professor rigoroso, Paul Hunham (Paul Giamatti), é escalado para cuidar deles.

Acontece que, por boa parte deste período, o grupo se resume ao professor, à cozinheira do local (Da'Vine Joy Randolph), que acabou de perder o filho na Guerra do Vietnã, e a um aluno inteligente, mas problemático, Angus Tully (Dominic Sessa). Essa convivência forçada durante o período das festas de final de ano faz com que essas pessoas acabem se abrindo umas com as outras, expondo feridas e quebrando ideias preconcebidas.

Assim, The Holdovers é uma história sobre pessoas que estão sofrendo por diferentes motivos e se apoiam umas nas outras – nada novo, mas algo de fácil identificação. Enquanto o professor parou de viver e resolveu se dedicar a tradições que não existem mais, a cozinheira vive um luto injusto e muito doído, já o estudante tenda entender o que sobrou de seu mundo após perder importantes pilares de sustentação.

Tudo isso é acompanhado com muito carinho e compaixão, inclusive beirando algo não muito realístico. Por mais que os personagens discordem e entrem em conflitos, os problemas reais não surgem das relações mostradas na tela e eles são capazes de criar uma espécie de rede de solidariedade, ajudando-se mutuamente. O núcleo restrito permite que o roteiro de David Hemingson tenha respiros e que cada ator possua espaço para desenvolver um bom trabalho, de modo que as falhas das pessoas retratadas se tornam apenas características humanas.

Sob muitos aspectos, The Holdovers é sobre uma família inventada que se descobre em pleno Natal – um pai, uma mãe e um filho. O diretor Alexander Payne declarou que não gosta do rótulo atrelado ao período em que a história se passa, mas é impossível dissociar as coisas; os próprios personagens reforçam todo o tempo de que esse é um momento muito triste para estar sozinho. Mas a conexão emocional não é dada, precisando ser construída.

Além disso, outro aspecto que sustenta a sensação de “universalidade” e/ou de “atemporalidade” da produção é o humor. Obviamente, não se trata de um filme que gera gargalhadas, mas há muitos sorrisos e momentos que aquecem o coração. A leveza é bem colocada e permite que tudo não descambe para um melodrama, fazendo com que The Holdovers gere aquela vontade de reassistir ao lado de pessoas queridas e, de preferência, no Natal.

Outras divagações:
The Descendants
Nebraska

Em Mysterious Skin há uma cena em que dois personagens conversam em frente a uma tela de cinema ao ar livre sobre como gostariam que suas vidas fossem um filme. O diálogo é repleto de frases de efeito vagas, que não combinam muito com aquelas pessoas. Então, começa a nevar e o quadro está completo. A sensibilidade desta sequência é tão característica do começo dos anos 2000 que eu me sinto tentada a perdoar a chatice em nome do “retrato de um tempo que não volta mais”. Mas eu não vou fazer isso.

Com roteiro e direção de Gregg Araki, esta produção de 2004 acompanha de forma paralela a história de dois jovens adultos que não conseguiram lidar muito bem com traumas infantis. Um deles é Neil (Joseph Gordon-Levitt), um rapaz gay que está cansado da vida na cidade pequena onde comete pequenos golpes e se prostitui pelo valor que os clientes estiverem dispostos a pagar. Apesar de ter uma mãe carinhosa (Elisabeth Shue), a única pessoa que sabe seu maior segredo é sua melhor amiga (Michelle Trachtenberg).

Já Brian (Brady Corbet) é um jovem obcecado em tentar descobrir o que exatamente aconteceu em um determinado momento de sua infância. Ele está crente que o episódio pode envolver alienígenas e, para isso, recorre à ajuda de uma mulher que alega ter sido abduzida (Mary Lynn Rajskub). Em suas pesquisas, ele descobre que Neil pode ter algumas respostas e, no processo, cria um amigo em comum (Jeffrey Licon).

O que exatamente aconteceu com os dois protagonistas fica bastante óbvio desde o começo, mas este não é o problema da produção. Afinal, apesar do título trazer a palavra “mistério”, o objetivo não é fazer o público desvendar algo, mas acompanhar as descobertas dos protagonistas a respeito deles mesmos.

A questão é que o trailer de Mysterious Skin me enganou. Eu esperava por um conflito entre Neil e Brian, com ambos confrontando a forma como responderam emocionalmente à situação que vivenciaram e rumando para uma trajetória, senão de cura, de perdão ou de entendimento mútuo. Parecia algo interessante.

Entretanto, a produção foca em jornadas individuais, inicialmente expondo o quanto cada um de seus personagens está perdido para, depois, criar situações em que eles precisam confrontar seus próprios medos. Ou seja, são duas histórias repletas de clichês (e de diálogos poeticamente forçados) que acontecem a partir de uma premissa em comum.

Ainda assim, Mysterious Skin procura ser realista – e faz um grande esforço para não ser explícito. O filme retrata uma realidade cruel, mas não apela para uma violência direta, preferindo explorar as consequências, o que é um mérito por si só. Baseado em pessoas reais (ainda que a trama seja fictícia), o longa-metragem consegue atingir o efeito desejado, ainda que o resultado seja extremamente datado.

Inclusive, a produção foi bem recebida pela crítica na época de seu lançamento, por mais que tenha sido quase esquecida. Mysterious Skin merece ser redescoberto com as expectativas corretas: este não é um filme fácil de digerir e há problemas, mas as boas intenções também se fazem presentes.

Uma história velha como o tempo: depois de um inesperado sucesso, um filme original se torna uma franquia e recebe uma série de continuações que, de um modo ou de outro, concluem a jornada narrativa dos seus personagens, “acabando” com uma conclusão lógica. Mas, vários anos depois, executivos movidos pela bancarrota criativa e pela incapacidade de emplacar uma nova obra se sentem obrigados a trazer estes personagens de volta, forçando uma regressão narrativa que degrada o desenvolvimento pretérito. Pois é, se aconteceu com Toy Story, Kung Fu Panda não seria imune à maldição.

Apesar da série estar longe de ser a minha favorita da Dreamworks, acredito que ela tem seus bons momentos e o segundo filme, principalmente, está entre as coisas mais legais do estúdio. Inclusive, como o terceiro longa-metragem já fica um pouco para trás, era realmente melhor ter terminado a história nesse ponto. Mas isso não impediu que Po (Jack Black/Lúcio Mauro Filho) voltasse aos cinemas.

Depois de ter passado os últimos três filmes aprendendo a ser o dragão guerreiro e entendendo seu papel e seu passado, Po agora tem que... se aposentar. Obrigado por seu mestre Shifu (Dustin Hoffman/Leonardo Camillo) a passar o manto para frente e se tornar um líder espiritual, Po resiste à mudança e sai em uma última jornada em busca de The Chameleon (Viola Davis/Taís Araújo), uma vilã que quer trazer de volta adversários do passado. Para cumprir sua missão, o panda recebe a ajuda de Zhen (Awkwafina/Danni Suzuki), uma talentosa ladra que mora na cidade dominada pela feiticeira.

Com uma narrativa central que não se comunica bem com seus personagens e suas histórias pessoais, uma direção extremamente convencional (salvo uma única cena de combate no final do filme) e nenhuma ambição, Kung Fu Panda 4 é a epítome do desnecessário. O detalhe é que não aquele “desnecessário, mas tecnicamente competente” que tivemos com Toy Story 4, mas um tipo que em momento algum se justifica, parecendo ir contra toda a filosofia da série.

Eu até perdoaria a produção se ela fosse só uma viagem de nostalgia para revisitar os personagens mais icônicos depois de quase uma década, porém ela sequer se compromete com isso, eliminando vários deles logo no começo da história e deixando seu rol de vilões (que, vale enfatizar, são o gancho central da história) completamente sem diálogos. Apenas Tai Lung (Ian McShane/Sérgio Fortuna) tem algum semblante de personalidade, mas ainda assim não tem peso ou serventia na história.

Aliás, embora não possa comentar muito a respeito da dublagem internacional, posso dizer que a brasileira permanece sendo de medíocre para baixo. Lúcio Mauro Filho, apesar de ser um ator razoável, não tem o mesmo timing cômico de Jack Black e não injeta a energia que o humor do filme demanda. Já Danni Suzuki está surpreendentemente bem, apesar da personagem em si não colaborar. Por fim, a performance de Taís Araújo é bem fraca e até mesmo amadora, o que esvazia a personalidade da antagonista.

Como eu não esperava muito de Kung Fu Panda 4, também não posso dizer que fiquei desapontado. Eu sabia que esse era um filme destinado a produzir mais falhas do que acertos, considerando o histórico da Dreamworks. Nem mesmo o excepcional Puss in Boots: The Last Wish salvou o estúdio dos seus problemas, com Ruby Gillman, Teenage Kraken tendo sido apenas mais ou menos e outras produções recentes, como a sequência de Megamind, sendo consideradas bombas colossais.

Ao mesmo tempo, não tenho dúvidas de que o carisma de Jack Black e a força que a franquia ainda tem possam produzir resultados positivos nas bilheterias internacionais. Como um filme para um público bem mais novo, ele até funciona, sobretudo porque troca a ação de seus antecessores por um humor meio besta. Mas, se você for ao cinema esperando qualquer coisa com mais substância, Kung Fu Panda 4 está bem longe disso. Suponho que, mesmo os curiosos, podem muito bem esperar para ver o filme em casa.

Outras divagações:
Kung Fu Panda 2
Kung Fu Panda 3

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Eu participo de um grande clube do livro. Cada vez que um autor negro é selecionado, aparece alguém para reclamar da linguagem e/ou da temática. Cada vez que uma autora é selecionada – especialmente se ela aborda assuntos “femininos” –, acontece a mesma coisa. Quando uma autora negra entra em cena, bom...

American Fiction não é exatamente sobre isso, mas chega perto, focando no direito de uma pessoa negra escrever sobre o que bem entende e encontrar espaço no mercado editorial. E isso implica em dizer que há diferentes vivências e realidades, além de uma variedade de formas de se expressar. Ao mesmo tempo, há um mercado de pessoas brancas com suas próprias expectativas sobre autores negros.

O protagonista do filme é Thelonious “Monk” Ellison (Jeffrey Wright), um escritor e professor universitário que, apesar de ser renomado, está encontrando dificuldades em vender seu mais novo romance. Bastante irritado com seu dia a dia na universidade, ele acaba sendo forçosamente afastado e se vê obrigado a lidar com problemas familiares que vinha ignorando.

Ao lado da irmã, Lisa (Tracee Ellis Ross), ele percebe que a saúde de sua mãe (Leslie Uggams) está se deteriorando e que seu irmão (Sterling K. Brown) está tentando se reencontrar na vida após uma saída forçada do armário. Assim, embora encontre certo alívio no início de um romance com Coraline (Erika Alexander), Monk também acaba recebendo novas e indesejadas responsabilidades, sem que seus problemas anteriores sejam resolvidos.

Para expressar sua revolta, ele escreve um livro cheio de clichês, com o objetivo de mostrar o ridículo daquilo que as editoras esperam de um homem negro. Para surpresa dele e de seu agente (John Ortiz), a obra recebe uma oferta bem interessante e chama muita atenção, colocando Monk em contato com pessoas como o produtor de filmes Wiley Valdespino (Adam Brody) e a escritora de sucesso Sintara Golden (Issa Rae).

Com uma crítica válida e um humor interessante (como um cachorro de três pernas sendo engraçado, para usar uma definição do próprio filme), American Fiction aborda um lado da questão com propriedade. Ou seja, a produção não ignora que o tema é mais complexo que isso, mas ainda assim se limita. Um exemplo interessante está no conflito entre Monk e Sintara, que explora como um homem que cresceu com recursos e acesso a educação pode ter uma visão encurtada.

O detalhe é que, para contar uma história como essa, o roteirista e diretor Cord Jefferson precisa lidar com um estranho equilíbrio entre ser sensível ao tema e não cair no que ele mesmo critica – e ele nem sempre é bem-sucedido nisso. Por mais interessante que o longa-metragem seja, ele tropeça nos momentos mais emocionais e parece estar tão perdido em relação ao final quanto o filme que ele mesmo propõe, em uma espécie de armadilha da metalinguagem.

Assim, ainda que tenha seus defeitos, American Fiction conquistou um espaço bem respeitável na atual temporada de premiações. Mesmo sem ser particularmente inovador em sua história, seus argumentos fazem parte de um discurso que tem buscado uma oportunidade de vir à tona e uma sátira tristonha realmente parece um veículo adequado para isso.

Preciso dizer que sou uma pessoa um tanto quanto cínica em relação a esportes: simplesmente não consigo entender os sacrifícios que uma pessoa pode fazer para uma conquista que é apenas física (e, em outros aspectos, debilitante). Dito isso, acho que Nyad conseguiu me convencer de que as motivações de sua protagonista são válidas.

Aos 60 anos, Diana Nyad (Annette Bening) tem uma vida confortável, dedicando seus dias a testar a paciência de sua melhor amiga, Bonnie Stoll (Jodie Foster). Ainda assim, ela parece presa a seu passado como nadadora maratonista, daquelas que participam de desafios em alto mar. Em especial, ela não consegue lidar com o fato de ter falhado em sua última missão, o trajeto de 780 quilômetros entre Cuba e Flórida.

Movida pela ideia de que é mais forte mentalmente aos 60 do que era aos 28 anos, Diana decide tentar novamente, abertamente contrariando a percepção de especialistas de que se trata de um desafio humanamente impossível. Para isso, ela recruta Bonnie como sua treinadora e junta uma equipe de profissionais para a acompanhar, com destaque para um navegador cabeça-dura, John Bartlett (Rhys Ifans).

O detalhe é que, além de criar resistência para enfrentar a distância e a temperatura da água, Diana precisa lidar com janelas de oportunidade apertadas, correntes desfavoráveis, tubarões, águas-vivas, alucinações e, claro, o custo da empreitada. Soma-se a isso o fato de que foram necessárias várias tentativas, cada uma com um novo (e perigoso) aprendizado. Sinceramente, só uma velha turrona e obcecada seria capaz de um feito desses.

Com isso, Nyad tem uma história bastante simples, mas com uma variedade de aspectos para abordar. Um deles está justamente na capacidade de sua protagonista em lidar com o desafio psicológico da empreitada. Além da força necessária para se manter nadando, a solidão desta missão também traz muitas coisas à tona, como as pressões trazidas pelo pai (Johnny Solo) e os abusos do treinador (Eric T. Miller).

Além disso, a dinâmica entre Bening e Foster é absolutamente maravilhosa. Elas conversam como duas pessoas que se conhecem muito bem, conseguindo alternar entre assuntos mundanos, momentos de apoio emocional e discussões acaloradas. O retrato crível dessa amizade é um dos aspectos mais importantes do longa-metragem, dando “humanidade” para a protagonista e a ancorando a uma realidade onde sua fixação não é a coisa mais importante do mundo.

Aliás, o fato de ser encabeçado por duas atrizes com mais de 60 anos faz com que Nyad não seja um filme comum. Mas essas histórias existem e merecem ser contadas, sendo tão capazes de emocionar e encantar quanto qualquer outra (e muito mais do que diversas que existem por aí, vale dizer).

Sob a direção de Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi – que, até então, eram conhecidos como documentaristas –, a produção mistura obsessão com ares de “realização de um sonho”, deixando evidente que o caminho não é bonito, com decisões levianas sendo recompensadas com desastres. As consequências físicas também aparecem no corpo da protagonista, mostrando que a empreitada é realmente coisa de gente meio maluca (como eu disse anteriormente, o filme me convenceu de que a protagonista tem uma motivação válida).

De qualquer forma, as várias tentativas, os inúmeros erros e a diversidade de adversidades fazem com que Nyad consiga manter um ritmo interessante. Desde o começo, você acredita que ela vai conseguir e, assim, a questão deixa de ser a chegada na Flórida e passa a ser justamente ver os tropeços pelo caminho. Suponho que gostar de esportes seja gostar de sofrer.

Mesmo depois de um sólido primeiro filme, ainda havia algo na obra de Frank Herbert que aparentava inescrutável: o épico galático parecida ter diminuído em escopo ao ser tirado da vasta imaginação para ser colocado nos confins de uma tela. Não me entenda mal, eu gostei de Dune: Part One, mas não vi os lampejos de brilhantismo necessários para situar estes filmes no mesmo patamar de importância para o cinema que os livros tiveram para o gênero.

Mas Dune: Part Two talvez tenha me provado errado. Poder, finalmente, assistir a obra nos cinemas trouxe um arrependimento retroativo, já que fui obrigado a ver a primeira parte desta história no conforto do lar por conta da pandemia de covid-19, em uma televisão bem menos impressionante do que uma tela IMAX.

Obviamente, eu notei que a produção de Denis Villeneuve de 2021 era muito bonita, contudo, foi Dune: Part Two que finalmente me fez sentir que essa é uma experiência épica, daquelas que fazem valer a pena sair de casa. O filme legitimamente transforma a obra apenas com a força da sua primazia técnica, afinal, ainda que se possa argumentar que a narrativa sempre será melhor nas páginas dos livros, há algo que só é possível nos cinemas – e é preciso admitir que existe um grande valor nisso.

Com uma história politicamente densa, cheia de jargões e terminologias, e um universo nem sempre bem explicado pelos filmes, Dune: Part One sofria o calvário de aclimatizar seu espectador a um milhão de coisas diferentes, perdendo mais tempo com sua exposição do que com seus personagens. Assim, qualquer síntese que eu faça sobre a trama vai perder muito do seu nuance, mas vou tentar situar as coisas mesmo assim.

Seguindo adiante na história de Paul Atreides (Timothée Chalamet), há aqui a culminação da guerra contra o barão Harkonnen (Stellan Skarsgård) pelo controle de Arrakis. Cada vez mais próximo de Chani (Zendaya), Paul tem de se dividir entre a vingança desejada contra os assassinos de seu pai e a sua nova vida entre os fremen.

Além disso, ele precisa lidar com as profecias de salvação que parecem recair sobre a sua cabeça e o colocam como o messias dos nativos do planeta. Com a intervenção direta do imperador (Christopher Walken) sobre o conflito e a ascensão de Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler) como o novo governador de Arrakis, cabe a Paul decidir o seu destino e o futuro tanto de sua casa quanto do próprio império da humanidade.

Felizmente, tirada aqui a necessidade de explicar tanta coisa, a sequência é bem mais feliz em duas frontes: apresentar seus momentos de maior intensidade e gravidade emocional, e investir completamente no espetáculo visual. Assim, ela é o merecido pagamento por todo o investimento narrativo da primeira parte.

O espetáculo entregue, com sequências lindas e inventivas, tem um visual muito seguro de si e um maior foco nos aspectos “esotéricos” do mundo, dando ao filme uma textura muito própria. Isso traduz bem o universo imaginado por Herbert, misturando uma boa fotografia e, especialmente, um brilhante trabalho de design de produção, que genuinamente trouxe esse mundo à vida, com arquiteturas e climas variados aos planetas retratados.

O trabalho da equipe de som foi igualmente excepcional, fazendo algum tempo que não via um filme tão impactante neste aspecto. Destaco tanto a ótima trilha de Hans Zimmer quanto o trabalho de design de som, que pontua de modo fantástico toda a trama, sendo mais um argumento para ver este filme nos cinemas.

Não que o filme seja só técnica. Ele tem uma trama mais pessoal do que o anterior e trabalha bem a sua mensagem central sobre os perigos da fé cega. Para quem temia que se tratasse de uma grande barriga para a conclusão da história – na já confirmada terceira parte dessa história – fico feliz em dizer que Dune: Part Two consegue fechar de modo satisfatório a sua trama central e ser uma adaptação muito competente do primeiro livro da série.

Entretanto, a produção não abre mão de já semear para a continuação, inclusive talvez de um modo bem mais direto e empolgante do que os livros fizeram, acertando o ponto de ser capaz de se segurar sozinha, mas deixando todo mundo com vontade de ver um pouco mais. Assim, Dune: Part Two é uma sequência que constrói e melhora boa parte das coisas mostradas no filme anterior, como um Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back de nossos tempos.

Aliás, o longa-metragem tem o potencial de firmar esse universo na mente de muitos fãs de ficção-científica que ainda não tiveram a disposição de encarar os livros. Ainda que esse não seja um filme perfeito, seus poucos defeitos – como uma duração excessiva e um ritmo e tom um pouco irregulares no primeiro ato – não reduzem suas qualidades. Assim, minha recomendação é excessivamente simples: se você teve algum interesse em Dune: Part One, Dune: Part Two é imperdível.

Outras divagações:
Arrival
Blade Runner 2049
Dune: Part One

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Um longa-metragem sobre a luta por direitos civis da população negra dos Estados Unidos com um protagonista homossexual. Não é por nada, mas Rustin parece material para o Oscar desde sua concepção – ainda assim, a produção conquistou apenas uma indicação e vem recebendo poucos prêmios nessa temporada. Mas já chego lá!

A história traz um recorte bem específico da vida de Bayard Rustin (Colman Domingo), no começo dos anos 1960. Afastado de seu amigo Martin Luther King (Aml Ameen) após boatos, ele não é bem visto por muitas lideranças do movimento negro e se distanciou da luta. Entretanto, com o acirramento da violência em protestos pacíficos, Rustin decide organizar uma ambiciosa marcha em Washington.

Um dos aspectos mais interessantes da produção é o retrato da dinâmica de forças. Bayard tem a confiança de uma “velha guarda” que tem prestígio, mas não está mais no comando, além de saber conquistar as novas lideranças, que ainda não têm voz suficiente; e ele talvez tenha um amigo bastante influente. Do outro lado, há pessoas importantes como Roy Wilkins (Chris Rock) e Adam Clayton Powell (Jeffrey Wright), que não acreditam nele e temem ter uma pessoa com um “passado criminal” na organização de um evento dessa magnitude.

Contudo, é fato que a marcha acontece (afinal, é um evento histórico) e o filme decide explorar como isso ocorre de uma forma mais prática. Assim, não demora muito para que as vontades se alinhem e as dificuldades se tornem aquelas já esperadas: o governo não está a favor do evento; os opositores começam a jogar sujo, usando o passado de Bayard contra ele; concessões precisam ser feitas; e por aí vai.

Outro ponto importante é que o protagonista de Rustin é um pacifista. Embora ele não fuja da briga, é perceptível que se trata de uma pessoa muito controlada e que prefere simplesmente desviar dos conflitos por meio de educação, sorrisos e inteligência. Mas traduzir isso para a tela acaba sendo um pouco problemático. Colman Domingo faz um trabalho primoroso e consegue criar empatia, contudo, o restante da produção carece da energia necessária para criar uma catarse satisfatória.

O detalhe é que estamos falando de um filme de George C. Wolfe, que já mostrou que consegue levar energia para a tela em Ma Rainey's Black Bottom. No entanto, um longa-metragem é um trabalho de equipe. Uma das escolhas dos roteiristas que mais me desagradou foi a atenção dada ao triângulo amoroso com o assistente Tom (Gus Halper) e o pastor Elias Taylor (Johnny Ramey). Essas sequências servem para dar peso às consequências de ser gay nos Estados Unidos nos anos 1960, mas sinto que isso estava posto de outras formas e não precisava desse enquadramento.

Rustin tem uma história muito interessante para contar, um elenco afinado e mensagens absolutamente necessárias (sim, mesmo hoje) – sob muitos aspectos, é um deleite. Infelizmente, a obra se perde nos clichês de como ela “deveria ser”, deixando de lado seus aspectos únicos em prol de uma narrativa pasteurizada. Sinceramente, fico bastante feliz que a produção não viu necessidade de esticar sua duração (o filme tem 1h46) e nem acho que isso seria necessário, mas gostaria que alguns enquadramentos fossem diferentes.

Outras divagações:
Ma Rainey's Black Bottom

Qual foi o melhor filme animado de 2023? Meses atrás, a minha resposta seria firmemente plantada em Spider-Man: Across the Spider-Verse (se formos considerar o atraso no lançamento de Kimitachi wa dô ikiru ka em terras brasileiras, ela segue a mesma).

Mesmo em um ótimo ano para a animação – com uma grande variedade de títulos tanto orientais como ocidentais –, a nova obra do Studio Ghibli e, possivelmente (mais uma vez), o último filme de Hayao Miyazaki, destaca-se. Se Spider-Man: Across the Spider-Verse representa o futuro da animação norte-americana, Kimitachi wa dô ikiru ka é a cristalização de toda a história da animação tradicional japonesa, além de uma despedida muito apropriada para o diretor.

A história acompanha Mahito Maki (Soma Santoki), um jovem que, depois de perder a mãe em um bombardeio durante a segunda guerra mundial, muda-se com o pai para o interior japonês. Lidando com o luto, a mudança para um lugar desconhecido e com o casamento de seu pai com sua tia Kiriko (Kô Shibasaki), Mahito se vê atraído por uma misteriosa torre nos fundos de sua casa. Há, ainda, a presença constante de uma estranha garça falante (Masaki Suda), que afirma que a mãe do menino ainda vive, o que o leva para uma jornada por uma terra misteriosa entre o mundo dos vivos e dos mortos.

Com uma animação belíssima, uma ambientação muito interessante e uma sensibilidade diretorial bastante forte, Kimitachi wa dô ikiru ka realmente soa como uma culminação da carreira de Hayao Miyazaki. Não acho que esse seja o seu melhor filme, mas certamente é uma obra que olha para trás e pensa no seu legado, no futuro do estúdio e em toda a sua história, tendo aquele gosto agridoce de despedida. Esse tipo de reflexão aparece frequentemente durante o filme, permeando não só seu subtexto, mas a própria motivação de alguns de seus personagens.

A trama tem todos os elementos típicos que vieram a ser associados com o diretor e roteirista. Da ambientação no período da guerra ao clima idílico do interior japonês, passando pelo limiar fantástico que o personagem cruza para encontrar um mundo de conto de fadas que é, em igual partes, tão cativante quanto grotesco e perigoso. Inclusive, a cota da típica heroína “miyazaquística” é suprida pela chegada relativamente tardia de Himi (Aimyon), na metade final da história.

Porém, o filme tem bem mais “clima” do que “história”. Às vezes, essa questão onírica chega a atrapalhar um pouco, com personagens e acontecimentos que só se resolvem porque sim, o que talvez incomode quem gostaria de uma trama mais concreta e bem amarrada. Entretanto, isso é algo que sempre acompanhou o diretor e é uma das razões pelas quais prefiro os filmes mais “pé no chão” de seu companheiro de estúdio, Isao Takahata. Também não duvido que parte do frescor da trama tenha se perdido para mim por conta das similaridades com Suzume no Tojimari, que é mais direto.

De qualquer modo, isso não reduz a noção de aventura e intriga do filme. Kimitachi wa dô ikiru ka tem alguns dos visuais mais legais e instigantes da filmografia de Miyazaki, com sequências absolutamente lindas e um constante senso de “peso” para tudo que os personagens fazem. Nesse caso, tenho que dar os parabéns também a um nome não tão conhecido: o diretor de animação Takeshi Honda. Veterano da Gainax, ele foi responsável por um sem-número de ótimas produções japonesas, tendo ainda trabalhado ao lado de Satoshi Kon em vários de seus melhores filmes.

Não sei se Kimitachi wa dô ikiru ka tem a mesma capacidade de atrair um novo público como Sen to Chihiro no Kamikakushi ou se é tão icônico e trabalha tão bem seus temas quanto outros filmes do Studio Ghibli. Mas, para alguém que acompanha a carreira de Miyazaki a décadas, é difícil não me emocionar em saber que dificilmente teremos mais um desses, sendo talvez o fim do próprio Studio Ghibli como o conhecemos. Isso torna Kimitachi wa dô ikiru ka um filme extremamente recomendado para todos os fãs de animação e o mais provável vencedor do Oscar deste ano.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Outras divagações:
Kaze no Tani no Nausicaä
Tonari no Totoro
Majo no takkyûbin
Mononoke-hime
Hauru no ugoku shiro
Gake no ue no Ponyo
Kaze tachinu

Durante uma das primeiras cenas de Saltburn, dois personagens conversam sobre como a vida de um deles parece um romance de Evelyn Waugh. A semelhança era tão clara que, sinceramente, achei que esta poderia ser uma adaptação de Retorno a Brideshead; inclusive, depois li que Jacob Elordi chegou a ler este livro para se preparar para o papel. Mas, quando eu já estava confortável, achando que sabia para onde a história iria caminhar, as coisas começam a divergir.

Saltburn começa em 2006 – ou seja, há celulares, mas não smartphones –, com o início de mais um ano letivo na prestigiada universidade de Oxford. Oliver Quick (Barry Keoghan) é um calouro bolsista que tem um jeito muito formal, roupas estranhas, dificuldades em fazer amigos e que não gosta muito de receber críticas, criando uma rivalidade com seu colega de orientação, Farleigh Start (Archie Madekwe). Já Felix Catton (Jacob Elordi) é um jovem simpático, popular e muito, muito, muito rico, além de ser primo de Farleigh.

Inesperadamente, Felix e Oliver criam uma amizade e se tornam bastante próximos, a ponto de Oliver ser convidado para passar as férias de verão na mansão da família de Felix (não é um castelo, mas está quase lá). Deslocado e sem jeito, ele vai aos poucos aprendendo a conviver com a irmã carente de atenção, Venetia (Alison Oliver); a mãe descolada da realidade, Elspeth (Rosamund Pike); o pai aristocrático, James (Richard E. Grant); e até mesmo a outra “agregada”, Pamela (Carey Mulligan).

Mas Saltburn funciona como um daqueles livros em que o narrador não é confiável e, aos poucos, percebemos que Oliver não é quem aparenta ser. O filme, então, torna-se um jogo em que nunca fica claro quão esperto o protagonista realmente é, quais são seus objetivos, até onde ele pretende ir e se ele realmente será bem-sucedido. Já adianto que, ao final, tudo fica esclarecido, mas eu preferia que um pouco do mistério permanecesse (puramente pelo charme da incerteza).

Com roteiro e direção de Emerald Fennell, a produção traz uma tensão de qualidade, o que parece ser a especialidade da cineasta. Ela consegue construir sua narrativa com cuidado e, ao mesmo tempo, trazer diversos elementos visuais interessantes e significativos, com destaque para as sequências que acontecem durante uma festa à fantasia com temática da peça shakespeariana Sonho de uma Noite de Verão. Cabe aqui uma curiosidade: a estátua do Minotauro presente no centro do labirinto (sim!) teve como referência o corpo de Barry Keoghan.

Com sua veia crítica apontada para a elite (financeira e acadêmica), Saltburn acaba sendo menos incômodo se comparado ao longa-metragem anterior de Fennell, Promising Young Woman. Além disso, por mais que seja maravilhosamente filmado e seja muito bem escrito, ele não compromete todas as fichas no dúbio; e é quando tenta se explicar que a produção escorrega e se torna apenas mais uma.

Afinal, querendo ou não, há muitas histórias similares por aí, ainda que esta seja particularmente bem executada e mereça atenção na atual temporada de premiações – o que está acontecendo, até onde consegui acompanhar. Saltburn é uma delícia, mas deixa um gosto amargo na boca.

Outras divagações:
Promising Young Woman

A essa altura do campeonato, quando alguém vai ao cinema para um filme de Matthew Vaughn, a pessoa sabe exatamente o que esperar – para o bem ou para o mal. Então, vou poupar o seu tempo: se você não gosta da filmografia do diretor, já adianto que não vai encontrar nada de diferente por aqui. Inclusive, Argylle traz as notas familiares da franquia Kingsman, apenas abandonando a ultraviolência estilizada e trocando a classificação de R pela mais amigável PG 13.

A produção acompanha Elly Conway (Bryce Dallas Howard), uma escritora que atingiu a fama com uma série sobre as peripécias do superespião Argylle (Henry Cavill). Ele, por sua vez, é uma figura aos moldes de James Bond, do tipo que enfrenta a conspiração de uma agência de espionagem corrupta que ameaça a estabilidade mundial.

Prestes a escrever o último livro da série, Elly vê sua vida em perigo quando descobre que seus livros são misteriosamente próximos a acontecimentos reais. Isso leva o líder de uma organização internacional (Bryan Cranston) a querer capturá-la para descobrir a localização de um arquivo contendo informações incriminadoras de seus agentes. A única pessoa que parece querer ajudar é Aidan (Sam Rockwell), um agente desgarrado dessa mesma organização que pode estar envolvido diretamente em algumas das situações descritas nos livros de Elly.

Com uma premissa relativamente interessante, o filme até que começa bem. O humor – mesmo sem a ousadia de Kingsman – é efetivo; os personagens são relativamente carismáticos; e a ação é sólida e com peso.

Mas, por alguma razão, Argylle cruza uma linha imaginária e se tornar uma versão quase pastelão da fórmula já vista em outros filmes de Vaughn. Ou seja, sai o foco nos personagens e entra a ação estilizada que é marca registrada do diretor. Isso, entretanto, não parece funcionar do mesmo modo, especialmente por conta de violência quase sanitizada e de uma coreografia não muito inspirada.

Para mim, fica claro que a produção perde fôlego no seu último ato, chegando esbaforida à linha de chegada, sem energia para emplacar uma sequência. A duração é excessivamente longa para esse tipo de história e a dinâmica entre os personagens, que já estava meio prejudicada pelas intermináveis sequências de ação, fica sem tempo para o humor respirar ou para receber um peso emocional.

Com isso, a resolução da história fica sem peso algum. A personagem de Bryce Dallas Howard perde muito espaço e charme no decorrer da trama, dando a impressão de que o roteiro não sabia exatamente o que fazer com ela.

Isso é uma pena, pois Argylle é genuinamente divertido. Sam Rockwell entrega uma performance bacana; há algumas boas reviravoltas; a trilha sonora é ótima; e a ação não deixa de ser interessante. Infelizmente, não sinto a mesma energia ou o carisma de outros filmes do diretor, como Kick-Ass e Kingsman: The Secret Service.

De qualquer modo, o longa-metragem é perfeitamente aceitável se você só quer um filme divertido para desligar a cabeça. É uma comédia de ação competente e, como eu disse, se você conhece Vaughn, já sabe exatamente o que esperar.

Apenas admito que eu gostaria de algo que recapturasse a magia e o frescor do começo da década de 2010, em que o diretor lançou três ótimos filmes em sequência. Pessoalmente, não acredito que focar tanta energia na série Kingsman – que tem mais dois filmes em pré-produção – esteja fazendo bem a carreira de Vaughn. Afinal, Argylle demonstra que a fórmula está se esgotando. Mesmo que o saldo ainda tenha sido positivo, o resultado está próximo demais da mediocridade.

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Outras divagações:
Stardust
Kick-Ass
X-Men: First Class
Kingsman: The Secret Service
Kingsman: The Golden Circle

Admito não ser o maior conhecedor do mundo da filmografia de Yorgos Lanthimos. Até vi algumas coisas dele, mas não tenho a capacidade de fazer as comparações que esse filme provavelmente merece. Afinal, ao contrário de The Favourite, que só é tangencialmente esquisito, aqui o cineasta pisa forte no acelerador do cinema arthouse e entrega algo tão estranho quanto potencialmente ofensivo. Os fãs que me perdoem se eu estiver pregando para o coro, mas prometo que qualquer dia desses eu preencho essa lacuna.

Adaptando um livro de Alasdair Gray (que lamentavelmente faleceu alguns anos antes da produção se concretizar), Poor Things é um amalgama de elementos de romance gótico e humor negro embalados em uma estética onírica, que vai da câmera rígida do cinema da década de 1920 a um realismo fantástico de cores vibrantes e estética steampunk. Contra todas as expectativas, isso funciona, transformando uma narrativa desconjuntada em um produto coeso e tematicamente forte.

O filme acompanha a metafórica e literal evolução de Bella Baxter (Emma Stone), uma mulher sem memória e de disposição infantil que aparentemente foi criada de modo frankensteiniano por um médico recluso e deformado, Godwin Baxter (Willem Dafoe). Embora Bella inicie a trama quase que totalmente incapaz de se comunicar, seu progresso é rápido, o que leva o assistente de Godwin, o tímido Max McCandles (Ramy Youssef) a se encantar por ela. Porém, sentindo-se presa e querendo descobrir o mundo, Bella inicia uma viagem hedonística pelo mundo ao lado de Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), um advogado de motivações muito questionáveis.

O que se segue é uma história fundamentalmente pensada para discutir a condição humana, o crescimento pessoal, a evolução social e o papel da mulher nisso tudo. Com estranhas similaridades com Barbie, aqui não temos uma boneca que tem que aprender a lidar com os problemas e as limitações da realidade em relação ao seu mundo ideal, mas uma personagem que é uma folha em branco voraz para compreender e mudar o mundo, confrontando-se com suas partes mais degradantes e conseguindo sair mais forte disso.

Agora vem a parte cabeçuda para o filme cabeçudo. E me perdoem por esse rompante! Bella é, no início de sua jornada, puro id. A fascinação que ela causa nos outros personagens decorre justamente de sua maneira de lidar com todos os impulsos com completa liberdade, para o escândalo da “sociedade polida”. Ela é violenta, hipersexual e não demonstra empatia além de um nível básico. Mas, com o passar do tempo e com as experiências boas e ruins, sua compreensão da realidade se altera, tal como a sua relação com os outros, mostrando a hipocrisia por trás daqueles que a cercam.

Ao invés de abraçar o processo de recalque e controlar seus impulsos e questionamentos para se adequar a sociedade, Bella supera o cinismo e o niilismo que assola os demais. Isso faz com que Poor Things reproduza de modo bastante textual a perspectiva transformativa da filosofia nietzschiana, transformando sua protagonista em uma Übermensch (Überfrau?) moderna e fazendo com que as pobres criaturas sejamos nós, aqueles agrilhoados pelas correntes da sociedade. Talvez isso opere de modo um pouco exagerado – em certo ponto a personagem se torna uma feminista bissexual socialista –, mas eu aprecio o fato que o filme tenha levado esse tipo de discussão a sério.

Com uma cadência teatral, Emma Stone carrega a personagem com elegância e competência, fazendo funcionar um potencial papel muito complexo e que poderia ser desastroso em outras condições. Mark Ruffalo e Willem Dafoe também fazem um ótimo trabalho com seus personagens, apesar de Ruffalo ter ficado um pouco mais caricato na metade final (a despeito disso, ele reforça bem os temas da produção e ajuda nos momentos mais engraçados).

O filme é visualmente muito interessante, com uma fotografia lindíssima que junta o gótico vitoriano com um clima quase pulp. A grande variedade percebida ao decorrer dos atos dá uma oportunidade para Lanthimos ser criativo com suas escolhas de câmera e de tom. Isso é somado a uma trilha sonora certamente memorável, que amplifica a esquisitice com sons dissonantes e desconfortáveis. Pessoalmente, só não apreciei muito os exageros do figurino e da maquiagem, mas eles talvez amplifiquem o senso de ridículo de algumas cenas.

Falando nisso, acho importante dizer que o filme não é para todos – e digo isso da maneira menos elitista possível. O uso de nudez e sexo é constante, não há pudores em trabalhar temas complicados de modo questionável e há uma boa dose de cenas um pouco grotescas e explícitas. Poor Things não só não se esforça para ser amigável como ativamente tenta produzir choque e desconforto, o que deve afastar muitas pessoas. Além disso, o filme é longo e com um ritmo decididamente lento, o que é certamente desgastante, embora eu até tenha gostado de sair um pouco drenado da sala de cinema.

Com isso, Poor Things é um dos filmes mais interessantes e diferentes do “ano“ (leia-se, de fevereiro a fevereiro, afinal, os cinemas brasileiros tendem a receber os filmes da temporada de premiações um pouco depois de suas estreias internacionais) e merece ser visto por todos aqueles que buscam por uma experiência surreal e bem executada. Quem gosta do trabalho de Lanthimos deve saber o que esperar e mesmo quem, como eu, não tinha visto o diretor trabalhando nessa intensidade pode apreciar, desde que tenha uma dose generosa de disposição.

Outras divagações:
The Favourite

Texto: Vinicius Ricardo Tomal
Edição: Renata Bossle

Todos os anos, um filme fofo encontra seu espaço na temporada de premiações. Desta vez, a “cota” está sendo preenchida por Are You There God? It's Me, Margaret, baseado no livro de Judy Blume e com direção e roteiro de Kelly Fremon Craig. No momento em que escrevo, a produção se aproxima das 60 indicações, com 12 delas já tendo se transformado em prêmios.

Em resumo, trata-se de uma história de puberdade passada nos anos 1970. Margaret Simon (Abby Ryder Fortson) tem 12 anos e acabou de se mudar com os pais (Rachel McAdams e Benny Safdie), saindo da movimentada Nova York para os subúrbios de Nova Jersey. Com isso, além das saudades da avó (Kathy Bates), surge a necessidade de fazer novas amizades. Eis que surge a autoritária e sabichona Nancy Wheeler (Elle Graham), devidamente acompanhada por suas companheiras leais Gretchen (Katherine Mallen Kupferer) e Janie (Amari Alexis Price).

A dinâmica entre as meninas é particularmente divertida e se desenvolve naturalmente, o que também envolve momentos de uma crueldade inocente (que também machuca). Assim, ainda que Margaret não esteja totalmente confortável em seu novo círculo, ela se deixa levar pelas demais, que estão muito ansiosas para terem seios, menstruações e namorados.

Mas, de tempos em tempos, a atenção da menina, que deveria ir para o “bonitão” Philip Leroy (Zack Brooks), acaba desviada para outro menino, Moose Freed (Aidan Wojtak-Hissong). Para completar, ela tem uma crescente curiosidade em relação a Laura Danker (Isol Young), uma garota da sua idade que já tem um corpo de mulher.

Apenas com estes elementos, Are You There God? It's Me, Margaret já poderia ser encantador. Mas há toda uma camada extra, com a protagonista precisando explorar suas relações familiares e religiosas: os avós maternos são católicos, a avó paterna é judia e os pais jogaram para a garota a responsabilidade de escolher o que ela mesma é. A compreensão destes dilemas permite à produção mostrar que a entrada na adolescência também vem acompanhada de uma série de perguntas difíceis e da capacidade de enxergar o mundo de uma forma mais ampla.

Várias destas questões são encaradas por meio da relação entre mãe e filha. O filme acompanha de perto a jornada da mãe da menina, que também está vivendo um momento de transformação, com a mudança de cidade, as novas amizades, a execução de diferentes papeis, a reaproximação da família e o amadurecimento da filha. Ainda que esta pareça ser uma personagem “menor”, a atuação de Rachel McAdams acaba sendo o coração do filme, conseguindo exprimir inseguranças por meio de sorrisos e, muitas vezes, roubando a cena.

Outro aspecto que garante o ar adorável de Are You There God? It's Me, Margaret é a ambientação nos anos 1970. O filme traz muito pouco contexto histórico, existindo dentro de sua própria bolha, mas usa a época em seus figurinos, cabelos e, principalmente, cenários. Sem celulares, as amigas precisam se encontrar presencialmente e, com menos acesso à informação para saciarem suas curiosidades, recorrem a livros de ciências, revistas masculinas e até superstições.

Em meio a produções com temáticas pesadas, Are You There God? It's Me, Margaret não passa vergonha, pois seus dilemas são válidos, sendo explorados com profundidade e delicadeza. É verdade que o longa-metragem não tem grandes ambições visuais ou narrativas, mas sua simplicidade surge como um sopro de frescor.

Outras divagações:
The Edge of Seventeen